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Estos días de suave verano en Madrid además de pasear se pueden visitar algunas exposiciones magníficas. Como la espectacular El Greco y la Pintura Moderna, en el Museo del Prado, y la sorprendente Variaciones sobre el Jardín Japonés en La Casa Encendida.

Son muy diferentes desde luego, no son comparables, pero las dos son bellas e interesantes y llama la atención un elemento común. En ambas se cuenta la influencia, de un artista o de una filosofía, de una forma de contemplar el mundo, sobre los demás artistas, sobre el Arte del siglo XX. Dicho de otra forma, las dos tratan, o se sirven de, el tema del influjo bajo el cual han trabajado algunos de los creadores más importantes desde finales del siglo XIX hasta ahora.

En el primer caso, la que ejerció el Greco sobre la Pintura moderna, sobre las vanguardias. En el segundo, la del pintor, historiador y paisajista Mirei Shigemori y la cultura japonesa sobre algunos artistas de diferentes estilos y épocas.

El Greco y la Pintura Moderna, inaugurada hace unos días en el Museo del Prado, es sencillamente deslumbrante. Es una exposición extraordinaria por varios motivos. Por supuesto por las veintiséis obras del pintor, algunas se pueden ver habitualmente en el Prado, pero otras han llegado de museos de diferentes países, incluso de lugares próximos; es una ocasión única para contemplar de cerca la Expulsión de los Mercaderes del Templo, cedida para la ocasión por la Iglesia de San Ginés.

Por las obras de otros pintores, todas de gran calidad, algunas de ellas merecen la visita por si solas. Desde finales del siglo XIX, Manet, Cézanne, Fortuny, Picasso… hasta pintores del siglo XX como Modigliani, Diego Rivera, Chagall, Pollock…

El Greco, El caballero de la mano en el pecho (1580) y A.Modigliani, Paul Alexandre tras una vidriera (1913) (Fotos: museodelprado.es)

Pero sobre todo por la relación entre todas ellas, expuestas en un montaje cuidado y luminoso que pone de manifiesto la enorme influencia que el Greco ejerció sobre los grandes artistas del siglo XX y sobre la pintura moderna.

El Greco, La Oración en el Huerto (h.1600) y A.Korteweg, Composición: La Oración en el Huerto (1913) (Fotos: museodelprado.es)

El Greco, La Oración en el Huerto (h.1600) y A.Korteweg, Composición: La Oración en el Huerto (1913) (Fotos: museodelprado.es)

La linterna de las salas dedicadas a las exposiciones temporales, normalmente cerrada, se ha abierto, dejando pasar la luz. Una maravilla.

El Greco, La Resurrección de Cristo (h.1600) y J.Pollock, Sin título (h. 1937-39). (Fotos: museodelprado.es)

El Greco, La Resurrección de Cristo (h.1600) y J.Pollock, Sin título (h. 1937-39). (Fotos: museodelprado.es)

No demasiado lejos, en La Casa Encendida se exponen las Variaciones sobre el jardín japonés, una verdadera sorpresa.

El punto de partida, el centro de la exposición, es la figura y la obra de Mirei Shigemori (1896-1975). Se muestran fotografías de su obra cumbre, los jardines zen del templo de Tôfuku-ji, en Kyoto, creados en 1939. Shigemori fue entre otras cosas un gran estudioso del jardín japonés.

fotos shigemori

Bajo una vitrina se exponen también ejemplares de la enciclopedia que creó, con el fin de perpetuar la memoria de los jardines desaparecidos.

El jardín japonés es un espacio cerrado, no un lugar para pasear sino para reflexionar, un lugar de recogimiento y tranquilidad. No tiene nada que ver que los jardines llenos de vegetación, son jardines secos, sin agua, diseñados para ser una obra de arte. Lugares que hablan del vacío, pero no como algo negativo. Se ha dicho de las obras de Shigemori que eran versiones ajardinadas del arte conceptual.

Y así lo recogen las creaciones de artistas dispares y de disciplinas y épocas distintas, todos ellos influenciados por la cultura japonesa.

Alrededor de la obra de Shigemori, la exposición propone un paseo como si de un jardín zen se tratara. Un paseo libre, sin orden establecido que nos invita a convertirnos en parte activa del jardín.

En cierto modo la muestra comienza con el antiguo grabado Panorama del lago Shinobazu desde el templo Kiyomizu (1894), propiedad del Museo del Prado. Y termina con el grafiti, obra reciente de arte manga, de Iwana. Pero la verdad es que esta última es la primera que vemos al bajar al sótano de la Casa Encendida, y el paisaje japonés se encuentra situado en una de las salas, al fondo, quizá tardamos en llegar a contemplarlo.

grabado Prado

Panorama del lago Shinobazu desde el templo Kiyomizu (1894)

El grabado se encuentra junto a Lucio Fontana, con su concepto espacial de 1960, y frente a uno de los Double rift de Richard Serra (2013). Cortes, aberturas, que muestran ese vacío del que hablábamos, o que parecen puertas. ¿Qué nos sugieren? la presencia de otro mundo, el mundo interior, al otro lado del espacio exterior, del que formamos parte.

fontana y serra

La música, el jardín de sonidos de John Cage da paso a otra sala en la que junto a la maqueta del Santuario de Ise se ubican otra serie de obras. Tapies, una de las barras de acero inoxidable de Walter di Maria… Interesante leer las cartelas instaladas, y, si tenemos tiempo y curiosidad, sobre todo preguntar a la persona encargada de la sala, sus explicaciones son muy interesantes. Desde aquí le vuelvo a dar las gracias por guiarme.

Tapies

En el suelo se encuentra el Cruzeiro do Sul (1969-1970) de Cildo Meireles, diminuta pieza de madera de pino y roble, materiales sagrados para los indios, todo un símbolo de su situación respecto al mundo.

meireles1

Pensada para ser colocada en una sala mucho mayor, ella sola, aquí solo una luz desde el techo anuncia su presencia.

Cildo Meireles, Cruzeiro do Sul (1969-1970).

Cildo Meireles, Cruzeiro do Sul (1969-1970).

Los videos de Yoko Ono y Angels Ribé, el papel japonés, Sin título, de James Lee Byars; el azul sin título de Yves Klein sobre el que se refleja la obra de Lucio Fontana…

Iwana, Promethea (2014)

Iwana, Promethea (2014)

En septiembre todos ellos viajarán desde el sótano de la Casa Encendida a la Alhambra de Granada, qué interesante sería poder asistir a ese nuevo diálogo entre el jardín japonés y el andalusí.

Por : Mercedes Gómez

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Museo del Prado
El Greco y la Pintura Moderna
Hasta el 5 octubre 2014

La Casa Encendida
Variaciones sobre el Jardín japonés
Hasta el 7 de septiembre 2014

 

 

 

 

La calle del Doctor Fourquet nace en la de Santa Isabel, en los antiquísimos muros del Real Monasterio de la Visitación, y llega hasta la de Valencia, cruzando la animada calle de Argumosa en el extremo sudeste del barrio de Lavapiés. En ella, al abrigo del cercano Museo Reina Sofía y de la Casa Encendida, se han instalado varias galerías de arte, conformando un interesante y singular Paseo del Arte Contemporáneo.

La pionera fue Helga de Alvear que llegó a Lavapiés en 1995. Desde entonces cerca de una decena de galeristas, algunos de ellos procedentes de otras ciudades como Barcelona o Pamplona, han trasladado sus salas a esta castiza calle. No debió ser premeditado, pero se ha convertido en una alternativa a la galería tradicional y a zonas más caras, como el barrio de Salamanca. Nueva propuesta artística a la que en el algún caso se suma un compromiso social, alejado de lo puramente comercial, como es el caso de la emblemática Helga de Alvear, además dueña de una gran Colección que ya tuvimos ocasión de conocer el año pasado gracias a la exposición en el Palacio de Cibeles El arte del presente.

Ayer jueves 27 de marzo la galerista y el artista Thomas Locher presentaron su nueva exposición Absent things, Cosas ausentes, que “indaga en la relación entre el lenguaje y la economía, así como en la influencia que ambos ejercen sobre el individuo”.

Thomas Locher nació en 1956 en Munderkingen (Alemania), vive y trabaja en Berlín y su obra pertenece a importantes colecciones de todo el mundo (Museo de Arte Moderno de Nueva York, Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona, etc.). Esta es su segunda exposición en la galería madrileña.

 

Mediante materiales diversos como la madera, la pintura acrílica, la fotografía… Locher nos propone una reflexión conceptual sobre nuestro contexto económico y su repercusión en la vida cotidiana. Su postura es política, supone una protesta, necesaria en estos tiempos, como avisa la propietaria de la galería, Helga de Alvear, antes del inicio de la presentación de la muestra. Trata aspectos como el intercambio, los obsequios… que se convierten en una deuda que debe ser devuelta.

Podéis leer una buena crónica de la presentación realizada por Alicia G. Arribas de la agencia Efe, El arte conceptual de Locher denuncia el “regalo” como corrupción política.

Madrid es una ciudad llena de arte que encontramos no solo en sus calles y museos sino también en las numerosas galerías que existen por toda la ciudad y que animo a visitar. Son gratuitas y ofrecen un panorama de la actividad artística actual. De vez en cuando es una buena idea ir de galerías.

 

gioto y el bosco

La exposición de Thomas Locher la podemos visitar hasta el 17 de mayo. En la Galería Helga de Alvear, calle Doctor Fourquet nº 12.

Por Mercedes Gómez

 

 

 

Cildo Meireles, nacido en 1948 en Río de Janeiro, está considerado uno de los más notables representantes del Arte Conceptual, en el que la idea es más importante que la forma, el concepto que el objeto. No importa tanto la belleza como lo mental. Su origen lo encontramos en los comienzos del siglo XX con el movimiento Dadaísta, Tristán Tzara, y por supuesto Marcel Duchamp, que pusieron en duda todo lo referente al arte tradicional afirmando que una idea era suficiente para convertir cualquier cosa en arte.

Aunque el artista brasileño, a pesar de que reconoce haber creado obras conceptuales y haber participado en exposiciones de este tipo, cree que no lo es en un sentido riguroso. Opina que llegó un momento en que esta expresión artística se volvió muy teórica y aburrida, y él tomó otros caminos. De todas formas continúa utilizando las cosas que le gustan del arte conceptual, lo intelectual, la limpieza… dice que con lo mínimo se puede hacer todo. Para crear a veces no hace falta casi nada.

En 2008 Meireles obtuvo el Premio Velázquez de Artes Plásticas, por ese motivo (cinco años después, tras las muestras que se le han dedicado en estos años en la Tate Modern de Londres y el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona entre otros lugares) se ha presentado una exposición retrospectiva de su obra en el precioso Palacio de Velázquez, en El Retiro.

 Cildo Meireles

Hemos comentado en otras ocasiones lo importante que es el espacio elegido para una exposición, muchas veces se convierte en un elemento más. El Palacio de Velázquez es tan amplio y tan luminoso que es un escenario perfecto para la obra de Meireles.

Nada más entrar nos encontramos con El murmullo del mar. Un muelle de madera sobre las olas formadas por las hojas azules de diecisiete mil libros con sus escaleritas invita a sentarse y pensar. Leemos en el folleto recogido en la entrada  que “desde finales de los años 60 Cildo Meireles ha desarrollado en su trabajo nuevas posibilidades de redefinición del arte conceptual, partiendo de una relación con la experiencia sensorial del espectador…”

Desde muy joven tuvo la “preocupación por dejar que el arte se relacionara con el espectador y que éste lo complementara”.

Una parte del público simplemente parece divertirse y se hacen fotos como si estuvieran visitando monumentos o estuvieran en la playa de verdad.

El murmullo del mar (Marulho) 1991-1997

El murmullo del mar (Marulho) (1991-1997)

Entre sus creaciones más antiguas se exponen sus Inserciones en circuitos ideológicos, Proyecto Cocacola y Proyecto billete, realizadas en 1970. Botellas y billetes en los que ha escrito frases y luego vuelve a poner en circulación. Sobre todo los billetes fueron de mano en mano durante mucho tiempo.

La actividad de los visitantes genera escenas diversas que en cierto modo de pronto nos recuerdan una de las manifestaciones que surgieron del arte conceptual a partir de los años 50 del pasado siglo XX, el happening, street art, o teatro de guerrilla. Esta expresión artística implicaba una participación del público en las acciones provocadas por los artistas, participaciones improvisadas y por lo tanto efímeras. Acciones que no pretendían reflejar la realidad, según los propios protagonistas afirmaban, sino sustituirla.

Como ahora, cuando alguien, ingenioso y participativo, finge coger con las manos La esfera invisible que se supone está sobre un cubo de aluminio en medio de la sala, recogiendo a su modo la propuesta del artista.

3obras

Entreviendo (1970-1994) es quizá la obra que obtiene un mayor “éxito” entre el público, todo el mundo quiere entrar y ser fotografiado, aunque la propuesta del autor va más allá… La obra de Cildo Meireles invita a participar, a sentir.

entreviendo

Una de las creaciones quizá más explícitas de este artista al que muchos califican de comprometido con la realidad social, es Olvido, una tienda de campaña indígena hecha a base de aproximadamente 6.000 billetes de países americanos, situada sobre 3 toneladas de huesos de buey rodeados de 69.300 velas.

Olvido 1987-89

Olvido (1987-89)

Otra de las más sugestivas es la dedicada a su hijo Pedro Ariel Meireles. Unos monitores emiten unas imágenes extrañas entre madera, tinta acrílica sobre tela y piedras.

hijo pedro

Para Pedro (1984-1993)

Enfrente, Amerikkka (1991-2013), donde sobre 20.050 huevos de madera pintada con laca de poliuretano penden 76.150 impactantes balas.

Amerikkka

Una sorprendente Ocasión (1974-2004) es la que encontramos en una sala de espejos que prolongan la imagen hasta el infinito: en el centro una palangana está llena de dinero, estamos solos, ¿qué significa esto?.

espejos y dinero

La solución está en la sala contigua…

En fin, son solo algunos ejemplos entre las muchas ideas y experiencias propuestas por Cildo Meireles que podemos encontrar en esta exposición instalada en el corazón de El Retiro.

Por Mercedes Gómez

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Palacio de Velázquez en El Retiro (Museo Reina Sofía)
Cildo Meireles
Hasta el 29 septiembre 2013

http://www.tendenciasdelarte.com/pdf/abril09/meireles.pdf
El Cultural 24 mayo 2013.
El País

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